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A incrível jornada de mais um Paris Photo

11/13/2018 1 comentário

E mais uma vez, sobrevivemos à loucura da maior feira de fotografia, Paris Photo, e todos os seus eventos paralelos. Foram dias de encontros, trocas, olhares e discussões, sempre em torno da imagem. Mil exposições, palestras, mesas redondas, performances, livros com fotógrafos do mundo todo. Aliás, muitos brasileiros participaram, de diferentes gerações, e os diálogos foram muito importantes e enriquecedores.

Neste ano o Paris Photo realçou a presença da mulher e sua representatividade ao longo da história da fotografia. A organização começou escolhendo a fotógrafa norte americana Mickalene Thomas para ilustrar a capa e os cartazes da feira. Além de mulher, Mickalene é negra e trabalha exatamente sobre o feminismo e o lugar da mulher e do corpo negro na imagem. Além disso, um dia inteiro, com o tema “Mulheres, uma exceção?”, foi dedicado a conversas com e sobre mulheres. Entre vários eventos, manifestos foram lidos, discussões sobre identidade e visibilidade foram feitas, além de entrevistas com fotógrafas árabes.

La leçon d’amour, 2008, Mickalene Thomas.

Para terminar, um percurso imagético, Elles x Paris Photo, foi feito ao longo da feira através de trabalhos femininos. A curadora Fanny Escoulen escolheu uma centena de imagens para traçar o fio de uma história da fotografia sob o prisma do olhar feminino. Uma travessia importante e urgente pelas galerias e editores presentes na feira. Contudo, porém, quando olhamos de perto, o total de trabalhos apresentados na feira por mulheres fotógrafas foi de apenas 21%. Ou seja, um discurso bonito na teoria mas que ainda precisa ser levado mais a sério na prática. Nós não podemos deixar que se resuma apenas como uma questão de “moda do momento”.

Paris Photo foi a primeira feira internacional dedicada à fotografia e criada em 1997.

Além disso, a outra novidade foi a nova ala erótica da feira, Curiosa, pensada pela curadora Martha Kirszenbaum. No fim da feira, com limite de idade para entrar, 14 galerias expuseram artistas que trabalham com a fotografia sensual. Movimento importante na fotografia do século XX em diante, as imagens desses fotógrafos pensam sobre o corpo e o sexo, desafiando nosso olhar em cima da fantasia e do fetiche. E a seleção artística perpassa gênero, tempo e espaço, com nomes como Daido Moriyama, Robert Mapplethorpe, Antoine D’agata e Jo Ann Callis, Renate Bertlmann e Natalia LL.

Para terminar, gostaria de ressaltar a participação brasileira. Primeiramente, a editora Madalena que esteve mais uma vez presente misturando gerações de fotógrafos. Num diálogo enriquecedor, lançou livros de fotógrafos consagrados como Cássio Vasconcelos e João Farkas e jovens artistas promissores, como Henrique Carneiro e Rodrigo Pinheiro. Além disso, os fotógrafos Caio Reisewitz e Pedro Motta foram apresentados em galerias internacionais. E, finalmente, a galeria Lume, de São Paulo, veio com o status de primeira galeria brasileira a participar da feira. E trouxe o trabalho histórico e político da artista Ana Vitória Mussi. Aliás, um acerto dentro de uma feira com um viés mais estético vintage do que engajado e ativo.

Negativos, 1974-2006, Ana Vitória Mussi

Fotografia E

Vamos ganhar o céu e voar ?

10/31/2018 1 comentário

Há exatos 112 anos, em Paris, Santos Dumont voava com seu “avião” 14 bis e ganhava a alcunha histórica (pelo menos no Brasil) de pai da aviação. Desde sempre, o ser humano sempre quis ganhar os céus e voar.

A Maison Rouge, centro de arte contemporânea independente, do colecionador francês Antoine de Galbert, fez sua última exposição em Paris sobre o tema “O Voo”. Como podemos perceber, é um tema bastante amplo, mas muito interessante de explorar. Hoje em dia, cada vez menos olhamos para o céu.

Mas será que isso significa que voamos menos?

A exposição da Maison, como vemos acima, trabalhava com diferentes mídias: fotografia, vídeo, pintura, escultura, desenho… Misturava invenções “malucas” e objetos etnográficos, misturava tempo e espaço. Mas reunia tudo na ideia do tema “voar” e mostrava o desejo de tantos artistas de ir além. E ao acompanhar esse pot-pourri expositivo, descobríamos o desejo latente e as interpretações possíveis da vontade humana de voar.

A primeira fotografia aérea, por exemplo, foi feita com uma pipa em 1888. E foi uma grande descoberta. Abriu, literalmente, o olhar e o campo de visão. A pintura bebeu dessa fonte, mudando composições, e muitos fotógrafos no início do século XX exploraram a visão das nuvens. Hoje temos os drones, que também surpreendem os observadores contemporâneos.

Mas existem outros tipos de viagem… Os movimentos, dos animais e dos corpos humanos, são uma outra maneira de alcançar voo pela fotografia. Assim como o movimento da dança e de seus leves dançarinos que saltam e voam pelo palco. Com um olhar mais simbólico, podemos nos arrebatar nos mistérios do universo e voar pelo espaço com extraterrestres e corpos celestiais. Ou ainda pelo inconsciente humano com os surrealistas e dadaístas. Voar também significa se embrenhar de magia e de surpresa.

Outros artistas exploram os voos da imaginação, da rebeldia, da coragem, da alma. Menos palpáveis, mas tão perigosos quanto o azul do céu. Como Ícaro, tantos artistas se jogam, sem medo, nos mistérios da arte da imagem. E essa permaneceu sempre cúmplice.

Dicas, Fotografia E

A fotografia e algumas representações de mães

05/17/2018 Nenhum comentário

Essa semana começou com o dia das mães. Em homenagem, gostaria de falar de dois fotógrafos brasileiros que registraram mães e ganharam o prêmio de fotografia da Aliança Francesa do ano de 2017, do qual fiz parte do júri.

Gustavo Minas é mais conhecido como fotógrafo de rua. Tem um belo ensaio sobre sua cidade natal de Cássia, em Minas, além de outros, conhecidos, como um sobre a rodoviária de Brasília ou outro sobre Havana. Talvez por ter esse olhar mais urbano, gráfico e atento aos detalhes que aparecem (e desaparecem) rapidamente na cidade, o ensaio de Gustavo, “O Parto”, sobre o nascimento de sua primeira filha, seja tão original. Sendo o pai, Gustavo é parte integrante de seu próprio tema, porém ele consegue mostrar beleza e amor sem cair no clichê das imagens tradicionais de parto. Sua iluminação natural é suave, com reflexos que aumentam as nuanças e valorizam o tema com mais naturalidade.

A fotografia de rua é um campo solitário, de observação e paciência. Visto que o parto de sua filha Violeta durou quase 20 horas, e foi em casa, Gustavo achou através da fotografia um lugar para viver esse momento tão feminino e o seu papel de pai, que na hora do parto acaba sendo secundário e um tanto solitário. A camera o permitiu ultrapassar a ansiedade da espera e se fazer presente.

“A fotografia é indispensável, como uma forma de meditação”. – Gustavo Minas

Ana Sabiá é uma fotógrafa do sul do Brasil, ganhadora do segundo lugar do prêmio Web Photo 2017 com a série sobre mães posando com seus filhos, “Madonnas Contemporâneas”. Estudante de doutorado, suas imagens trabalham lado a lado à uma reflexão filosófica sobre a maternidade e seus símbolos. Independente do contexto intelectual das imagens, e para além dele, Ana representa suas mães e filhos em ambientes familiares, emoldurados com um varal de roupas, e banhados com uma luz suave e complacente. Suas madonas são mulheres atuais, com roupas do dia -a -dia, sem grandes produções, que de uma certa maneira nos remetem aos quadros antigos que retratavam a Madona bíblica. Mas, nós sabemos que, desde “Like a Virgin”, as madonas não são mais virgens, mas mulheres reais, numa luta diária de descobrimento. Meu adendo a esta série é a falta de diversidade. Feita em 2012/13, ela tinha tudo para se expandir para além do universo familiar da artista e mostrar outras madonas do sul ao norte do Brasil.

A Madonna – como símbolo artístico de mãe perfeita e amor incondicional – é justificada como uma impossibilidade concreta na vivência cotidiana. – Ana Sabiá

Ana Sabiá, Madonnas Contemporâneas, 2012-13

Fotografia E

Uma arte latino americana que perpassa a fotografia e a ecologia

03/28/2018 Nenhum comentário

Nicolas Garcia Uriburu é um arquiteto, ecologista e artista argentino que trabalha com performance, arte conceitual e land art. Foi um dos primeiros a usar a arte como meio de chamar a atenção para a ecologia e os problemas naturais que vivemos.

Em 1968, muito antes de falarmos sobre as questões ecológicas, Uriburu pintou o Grande Canal de Veneza na época de sua bienal. Mas como assim pintou um canal de Veneza? Então, em protesto contra a poluição das águas, ele usou uma substância química chamada fluoresceína para tingir de um verde artificial as águas da grande cidade da arte contemporânea. A fluoresceína é usada pela NASA para localização de artefatos e pelos oftalmologistas como ferramenta de diagnóstico. Como uma fotografia colorida, seu processo químico no canal revelava para todos problemas ecológicos de ordem mundial.

Gostaria de sugerir expandirmos os limites da fotografia e pensarmos que os gestos de Uriburu, em colorir a água, têm uma enorme ligação com a fotografia e seus fundamentos. Suas colorações em defesa do mundo natural oferecem diferentes percepções para o mundo fotográfico. A transformação da fluoresceína se relaciona com a transformação química do quarto escuro para criar um efeito visual. Existe um momento, assim como na captação da máquina fotográfica e da química dos sais de prata, onde a mão do artista não tem controle.

Depois de Veneza Uriburu tingiu pelo mundo: Nova Iorque, a Riviera Francesa em Nice, o Sena em Paris, o Reno na Alemanha, os chafarizes do Louvre e do Trafalgar Square e do Hara Museu de Tóquio, entre outros. Foi aclamado por muitos pois abriu uma discussão antes do seu tempo participando inclusive de atos com a ONG Greenpeace. Falece em Buenos Aires em 2016.

Para retratar o seu trabalho fugidio e manter um registro, primeiramente, as imagens das colorações são feitas de maneira documental. Transcrições imagéticas de seus gestos que mostram o artista e sua ação. Aos poucos Uriburu desenvolve suas tinturas e com isso as imagens que seguem esses atos. São imagens que irão perpassar apenas o documento e trabalhar também o intuito do artista, seus conceitos, e filosofia política e vontade ecológica inseridos na efemeridade de seu trabalho.

Nos anos 70, ele cria as Hidrocomias (neologismo de coloração aquática), mesclando fotografia e pastel para realçar as colorações e dar um tom mais estético. Em 1973, novos desenvolvimentos, ele cria em silkscreen o Portfolio Manifesto, uma combinação de mapas e imagens transformados e inseridos no que para ele é a essência das colorações: arte e natureza. Num determinado momento, ele também se colore: pênis, cabelos e pele. Uriburu durante sua carreira transita pela fotografia documental, de paisagem, chegando no retrato. Uma espécie de microcosmo da história da fotografia.

A arte não tem mais lugar fora da natureza. Seu lugar é na natureza.” Manifesto, 1973 – Nicolas Uriburu

Uriburu questiona questões clássicas da fotografia: profundidade de campo, ponto de vista, tempo, realidade. Ele trabalha um novo tipo de fotografia, sem camera, que engloba os debates éticos, técnicos e históricos da mídia e os relaciona poderosamente com a vida e questão crucial do futuro: a ecologia.

Fotografia E

O envelhecimento e a fotografia, anos de parceria

02/07/2018 Nenhum comentário

Pois é, os anos passam, e nós comemoramos aniversários, e os anos passam, e mais festas, e os anos passam… Bom, você já entendeu onde eu quero chegar, né? Todos nós envelhecemos! E a fotografia nos tempos de hoje, com seus filtros mágicos, só faz retardar esse processo, simulando uma juventude eterna, aliada às cirurgias plásticas e aos processos dermatológicos.

Até os canalhas envelhecem. – Nelson Rodrigues

Mas no fim do dia, ou da vida, envelhecemos. E a imagem meio lavada da infância (ou dos #tbt do instragram) nos escancara essa passagem do tempo. Algumas pessoas, como a Sissi, ficaram com a fama de não se deixarem fotografar depois de uma certa idade, justamente para não ter que encarar de frente as mudanças dos anos. Porém, por mais truques que usemos, por mais filtros que coloquemos, o corpo muda, o metabolismo desacelera, a mente se fortalece, as prioridades se renovam, mudamos o corpo físico e o lado psicológico também. Envelhecemos, para o bem e para o mal, num ato de adaptação constante das transformações que passamos. Entre aceitação e medo, definição e busca, envelhecemos.

Abaixo alguns fotógrafos que tentaram traduzir esse processo da vida, que pode não ter data exata para chegar, mas que vem para todos.

Sarah Bloom (EUA) – Self, abandonada, 2009-2018