Antes de falarmos do Festival Circulations, gostaria de fazer um ponto sobre a importância dos festivais. Festivais de fotografia são valiosos catalisadores do mercado fotográfico. Mas eles vão muito além disso, sendo estimuladores de ações artísticas, sociais e políticas, de conhecimento e trocas entre os profissionais e o público. Por serem muitas vezes independentes, criam a (única) oportunidade de novos talentos exporem seu trabalho e de diferentes gerações interagirem. Em momentos de precariedade cultural, servem também como palco de debates democráticos, resistência e diversidade.
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No Brasil temos inúmeros festivais de fotografia que persistem – FotoRio, PEF, Foto em Pauta, para citar alguns – e outros tantos que foram criados em 2018, como o Solar em Fortaleza e o Festival de Paranapiacaba em SP. Talvez pela falta de dinheiro e importância dada à cultura esses últimos tempos, os festivais tenham conseguido sobreviver com a ajuda financeira de todos e muito voluntariado. Como uma necessidade urgente de encontro, luta e resistência.
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Vamos ajudar os festivais!
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Antes de continuar para o nosso tema, vale ressaltar que o photolimits e o Iandé estão produzindo uma exposição coletiva brasileira, no festival Rencontres d’Arles, em julho, sobre os rumos atuias do Brasil. E todos nós podemos ajudar a expandir essa exposição para um espaço de debates democráticos, luta e resistência. Basta clicar aqui e apoiar.
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Nessa mesma onda, temos um exemplo francês, o festival Circulations, desde 2011. Resultado da associação Fetart, criada em 2005, o festival é totalmente dedicado ao fomento de novos fotógrafos europeus. Produzido por um grupo de voluntários, com ajuda de financiamento coletivo, em cada edição o festival apresenta uns 40 artistas europeus. Eles escolhem 30 por candidatura online, outos são convidados pela produção do festival e por fim, a cada ano, eles tem alguns fotógrafos indicados por uma escola e uma galeria.
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Esse ano podemos ver o engajamento em vários trabalhos, como do português Miranda Nelson (artista escolhido pela galeria convidada, Adorna Corações), do espanhol Rubén Martin de Lucas ou ainda do grego Yorgos Yatromanolakis. O país europeu em foco é a Romênia. Foi uma boa descoberta observar os trabalhos contemporâneos com fotos de arquivo de Mihai e Horatiu Sovaiala e Ioana Cîrlig, e as imagens de resgate à cultura tradicional de Felicia Simion.
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O festival fica em cartaz até dia 30 de junho no enorme espaço 104, em Paris.
Antes de começar toda a minha argumentação, aproveito para pleitear AQUI o seu apoio à fotografia brasileira frente o debate político. Você que é ligado à cultura de uma maneira ou de outra, sabe da sua importância política e do nosso papel no Brasil atual.
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Ao longo da história, mais ou menos próxima, temos vários exemplos mundiais de coletivos de arte e formas de ativismo alternativas culturais. O beat, o dada, o fluxus, o rap, o funk carioca, a performance, a bossa nova, são alguns exemplos de processos culturais que se formaram para apresentar novas formas de comportamento e comunicação diante de velhas formas de sociedade e governo.
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@janine moraes, série as coisas não tem paz, 2015. Opção de recompensa da campanha coletiva aqui.
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Poéticas colaborativas de resistência cultural e transformação de comportamentos como construção de autonomia política.
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Em momentos de névoa no pensamento de um povo e um país, acredito que é responsabilidade da cultura de recuperar a memória perdida e de resistir a pressões do presente. Interna e externamente. A cultura é uma grande arma em prol da diversidade, do debate democrático e da legitimidade de movimentos sociais. É também o único meio de garantir que notícias, livros, filmes e obras de artes visuais e musicais progressistas cheguem a todos e permaneçam, após políticas de censura.
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@pedro kuperman, série Achaninka. Opção de recompensa na campanha coletiva aqui.
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A resistência cultural brasileira internacional age em todos esses níveis. Como por exemplo, a homenagem feita pela prefeitura de Paris à vereadora assassinada em 2018, Marielle Franco. Enquanto no Brasil, sob a bruma do ódio e do medo, dilaceravam a placa de rua feita em nome da vereadora ativista e difamavam seu nome e sua luta, a resistência no exterior pleiteou uma homenagem internacional. Resultado: a recordação da força e dos feitos de Marielle ficará na memória de todos, para além de um governo ignorante, sob forma de um jardim em Paris.
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Além disso, internacionalmente, a resistência cultural cria uma abertura que favorece encontros entre brasileiros e estrangeiros e enriquece o diálogo. Oportunidades de trocas de experiências importantes surgem e nos ajudam a entender nosso processo atual e a vislumbrar possibilidades futuras. É também uma ocasião de divulgação da produção contemporânea artística brasileira, tão castigada nos últimos anos.
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Para apoiar a exposição coletiva “What’s going on in Brazil?”, em Arles, e todo o debate político internacional que ela propõe fazer, basta clicar aqui.
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@shinji nagabe, série elevação. Opção de recompensa da campanha coletiva aqui.
Eu sei que passamos por momentos difíceis na cultura (pouco investimento, pouco apoio, pouca credibilidade) e por isso a importância (até a necessidade) de fazermos mais, falarmos mais, mostrarmos mais. Não estou aqui defendendo o “empreendedorismo” brasileiro que é apenas a tradução de um estilo de vida calcado na sobrevivência. Na verdade venho apenas jogar algumas ideias e ações interessantes que vi ultimamente por aí, e clamar que mais ações como estas sejam feitas. Pois são nossos esforços em comum que enriquecem o olhar e a troca entre todos.
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O brasileiro não é obrigatoriamente empreendedor, antes disso ele é uma vítima que tem que se virar para se sustentar.
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A galeria efémera.
12 amigos, e algumas imagens em pequeno formato a serem expostas numa galeria de fim de semana. Evento rápido, barato, com cheiro de novidade e modernidade. Os amigos chamam outros amigos, o evento cresce no boca a boca, assim como as oportunidades. Umas cervejas, muita conversa política e muita vontade de pensar no próximo evento, ainda maior, menos efêmero e mais ideológico. Essa específica galeria, foi num café, mas pode ser num apartamento, em um prédio desativado, em uma casa sem morador.
O artista francês Louis-Cyprien Rials trabalha em zonas de conflito na África. Ganhador do prêmio SAM de arte, ele trabalha com fotografia e vídeo tentando experimentar, a sua maneira, a impossibilidade de traduzir esses espaços abandonados, transformados, impregnados de crenças e atravessados por estigmas fatais. Expondo em três locais de Paris, sua trilogia da violência, ele dialoga com o público francês a necessidade de mostrar essas zonas de guerra. Mas de que maneira? E como ir além do apenas mostrar nas grandes salas chiques parisienses bebericando champagne?
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Num país devastado como a Somália, a cultura acaba sendo um luxo. Enquanto observava o artista e sua necessidade de dialogar sobre tantas urgências vividas, via os colecionadores ao seu redor sem grandes necessidades. Como estreitar essa ponte?
Ok, eu sei, ninguém aguenta mais tanta campanha de financiamento coletivo. Mas sem essa ajuda mútua, sem o apoio dos que percebem a importância da cultura, como agir sozinho? Como perpetuar acervos, criar projetos com comunidades longínquas, resistir, apresentar trabalhos de jovens artistas e aumentar o diálogo para além dos pares. Como construir uma memória e possibilitar outras visões? O fotógrafo JR Ripper, que já falamos aqui, começou uma linda campanha de financiamento para criação de acervo e doação de memória para Biblioteca Nacional. São imagens de quilombos, povos indígenas, ribeirinhos, antíteses das imagens clichês midiáticas, a serem digitalmente disponibilizadas de graça.
Esse mês colaborei com a revista francesa Fisheye em uma reportagem especial sobre a fotografia na América Latina. Após uma introdução geral sobre os fotógrafos tradicionais do continente, a revista escolheu 11 jovens fotógrafos para fazer um apanhado da nova produção latino-americana. Um repertório sobre alguns dos mais importantes locais dedicados à fotografia também está disponível ao fim da edição.
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Graças a minha colaboração com a revista conheci o trabalho da fotógrafa argentina Luján Agusti. De origem da Patagônia, uma terra de limites e passagem, ela trabalha sobre identidades. Em sua série “Palhaços de Coatepec”, por exemplo, ela trabalha com um antigo ritual mexicano da época da colonização espanhola. Um trabalho que fala da formação identitária de um país colônia e sua situação hoje. Qual a identidade contemporânea desse povo precário? Luján trabalha o humano.
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Sua série “54°48´26´´S 68°18´16´´O”, sobre Ushuaia, fala da capital da Terra do Fogo, cidade que vive um isolamento natural e ao mesmo tempo é invadida de turistas. Qual a identidade desse povo solitário, dependente da natureza e de uma economia instável? Em outra série ainda, “Salve sua Alma”, Luján perpassa memórias da perda de sua mãe com rituais religiosos mexicanos. Uma busca por sua própria identidade.
Parte do coletivo Prime de fotografia e da IWMF que apoia o trabalho de mulheres fotógrafas, Lujan ganhou uma bolsa de estudos da « National Geographic Society » e foi escolhida como uma jovem talento pelo programa « 6×6 Global Talent Program of World Press Photo ». Aproveito para dividir com vocês uma pequena entrevista que fiz com ela, além de suas imagens, claro.
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Qual é a sua formação fotográfica?
Inicialmente estudei História da Arte na Universidade de Buenos Aires. Depois estudei fotografia três anos na Andy Goldstein School em Buenos Aires também. Finalmente fiz o Seminário de Fotografia Contemporânea no Centro de la Imagen, no México, com sede na Cidade do México e em Oaxaca. Enquanto isso, sempre realizei diferentes workshops desde de processos de desenvolvimento artesanal até outros relacionados ao fotojornalismo, como o Eddie Adams, nos Estados Unidos.
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O que fez você escolher a fotografia como uma forma de expressão?
Eu sempre fui ligada à arte de uma forma ou de outra, passei pela pintura e pela história da arte. A imagem fotográfica apareceu no meu caminho quando eu era adolescente. Aquela fase difícil de expressar em palavras muitas coisas ao redor. Acabou tornando-se a minha maneira de me relacionar com o mundo ao meu redor. E, até hoje, é a minha maneira de entendê-lo.
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Você trabalha entre a Argentina e o México, que relação visual de semelhança e diferença você experimentou entre esses dois países latino-americanos? E de que maneira essas relações são mostradas em seu trabalho?
Eu sempre penso muito que, embora os dois países sejam latino-americanos, há muitas diferenças entre um e outro. Particularmente com a Patagônia, que é de onde eu sou. Enquanto no México muitas tradições e culturas ancestrais estão vivas, no sul da Argentina, o território e a cultura original foram devastados. Nesse sentido, no México, tenho me interessado em explorar os caminhos das tradições pré-hispânicas, enquanto na Patagônia tento contar histórias do que foi perdido ou corre o risco de desaparecer. Em ambos os casos, o que quero é abordar os problemas da minha região e atingir o olhar daqueles que, de outra forma, nunca os veriam.
Conte um pouco sobre a sua série “Salve sua alma”. Como se deu a idéia e como foi o processo?
Este trabalho começou como meu projeto de estudo no Centro de Imagem. Vindo de um contexto bastante não-religioso, fiquei muito impressionada ao vir ao México e ver a presença do espiritual tão forte na vida diária das pessoas, e os muitos caminhos que isso pode levar. Comecei então a visitar lugares diferentes na Cidade do México e comunidades em vários estados do país, onde diferentes práticas relacionadas à fé eram realizadas. E isso sempre me surpreendeu. O México é como muitos universos diferentes dentro de um mesmo território. O projeto durou quase três anos, mas sofreu muitas mutações até receber a forma final.
No início era um projeto documentário. Mas aos poucos este projeto se transformou em uma busca pessoal. Procurei encontrar minhas próprias respostas. Em algumas situações quase encontrei, em outras não, e em muitos momentos tive medo, porque coisas muito intensas estavam em jogo.
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Religião e crenças é um tema bastante simbólico e também muito trabalhado por outros fotógrafos na América latina. Como você decidiu explorar esse tópico?
Minha maior referência foi a estética que sai desses mundos. Além disso, eu tinha muitas referências de trabalhos artísticos e da literatura que me ajudaram a construir visualmente o projeto.
Também trabalhei de duas maneiras, um lado mais “documental”, o que para mim estava mais próximo da realidade, digamos, do que vi com meus próprios olhos. E a parte do projeto que tem a ver com sensações, com crenças, com o que não vemos, trabalhei de forma mais simbólica. Tomei como referência as amarras, ou o uso do vermelho, ligado ao sangue, ao diabólico, e ao amor.
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Sua série “Salve sua Alma” tem uma forte presença feminina. A representação da mulher é uma questão na sua prática fotográfica?
Sim, questiono e reflito muito sobre a representação e o papel das mulheres na cultura latino-americana. Tanto atrás, quanto na frente da câmera. Nós temos enormes dificuldades, mas somos muitas agora para mudar isso. Nesta série em particular, é muito interessante ver como a mulher, ou o feminino, está sempre associada à desgraça, ao condenado. A figura da mulher como a culpada dos males da humanidade é repetida intensamente.
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Quais seus próximos projetos?
Atualmente estou trabalhando na Terra do Fogo graças a uma concessão da National Geographic, em um projeto sobre a vegetação local (as “turfeiras fueguinas”). A sua exploração está muito ligada à dinâmica social da região, e trouxe, entre outras coisas, o genocídio dos povos nativos, pelo uso e abuso de recursos naturais locais.
A fotógrafa francesa Elsa Leydier depois de se formar na escola de fotografia de Arles, e viajar pelo mundo, resolveu se mudar para o Brasil. E é através da fotografia, que ela vive esse deslocamento territorial e identitário. Com um olhar agudo, ela discute em suas imagens toda complexidade brasileira que não é mostrada no exterior. Sua preocupação é fugir do clichê e das imagens dos cartões postais.
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Ela está longe de ser a turista tradicional!
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A jovem artista se interessa justamente pelo que não é dito; pelo o que está na margem, fora dos limites e longe dos esteriótipos. Seu trabalho mistura a fotografia com diferentes mídias, como jornais e colagens. E ela nem sempre está atrás da câmera. Em sua série “Esgotados” de 2014, por exemplo, ela utilisa imagens de cartões postais de índios em uma colagem com selos comemorativos da Copa do Mundo no Brasil. Uma crítica à ganância dos jogos de futebol e a pouca importância dada à cultura tradicional indígena. Enquanto os selos arrecadaram milhões de reais, o Museu do Índio, perto do Maracanã, foi destruído para dar lugar a restaurantes e lojas para os turistas da Copa.
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@elsa leydier, esgotados, 2014
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@elsa leydier, #elenão, 2018
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Uma de suas últimas séries fotográficas é calcada na eleição de Jair Bolsonaro: “#elenão”. Aqui ela apresenta imagens associadas à palavra “Brasil” encontradas na internet, as relaciona com o discurso de ódio profanada pelo nosso atual presidente e as altera por um processo de glitching. Resultado: belas imagens desconstruídas. Os cartões postais coloridos, alegres e purpurinados, são modificados através de um discurso anti-democrático. O que temos são fotografias simbólicas de um país em crise.
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Para os que estarão em Paris, até dia 20 de abril, a artista apresenta um pouco do seu trabalho na galeria Intervalle com a exposição “Transatlántica”.
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@elas leydier, braços verdes e olhos cheios de asas
