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Sobre a importância de se lembrar

01/11/2017 Nenhum comentário

Todos recordam: de viagens, rostos, conversas, risos, brindes, passagens da infância, trechos de conversas, aulas da faculdade, discursos, fatos… O ser humano tem essa capacidade cognitiva de lembrar. E essas memórias, individual e coletiva, se relacionam para criar uma narrativa, uma história comum.

Essa história é importante para construirmos uma identidade pessoal e social dentro de uma comunidade comum, seja ela a família, a cidade, o país… Sem o ato de lembrar, deixamos de ter uma história, e com isso perdemos a base, nos esquecendo de quem fomos, somos e queremos ser. A memória é primordial para a nossa duração, sendo condição para apreender e adaptar-se no mundo. Através da memória temos acesso a como percebemos a realidade e a interpretamos.

LEMBRAR ALTERA NOSSA PRECEPÇÃO DO MUNDO E DO EU.

Labhoi, Coleção Carnavais de Rua de Niterói

Nesse processo de lembrar para criar uma história e sentido à vida, existem vários centros de memória, com documentos e arquivos – visuais, orais e textuais – de pessoas e eventos que marcaram algum momento.

Todo documento não é prova irrefutável de alguma coisa, mas vestígio de algo que se quis legar à posteridade. – Gabrielle da Costa

Entre tantos centros de memória, temos o LABHOI. Ligado a Universidade Federal Fluminense, mas aberto a todos os pesquisadores, esse laboratório da história oral e da imagem se propõe a ser um centro de referência na história da imagem. Através de uma investigação, um diálogo e uma abordagem crítica, o laboratório quer discutir as várias vertentes da imagem: documento e arte, diferentes técnicas como o cinema, video, fotografia e cartografia, a imagem e sociedade, a história da imagem… O laboratório tenta ser mais do que apenas um centro depositário de memória, sendo também um centro de estudo e debate.

Estudar história da imagem significa tomar o olhar como objeto da investigação histórica. O olhar nunca é inocente!

Labhoi, Coleção de Imagens Acervo Agudás (por Milton Guran), Celebração de N. S. Bonfim em Porto Novo, Rep. do Benim

O laboratório disponibiliza artigos, publicações, entrevistas com grandes fotógrafos brasileiros, estudos e imagens. Isso ajuda a manter aberto as possibilidades de lembrar, com o adendo de um debate inteligente e agregador.

A imagem na palavra, Fotógrafos pelo mundo, História da fotografia

Terminando o ano com muita provocação

12/28/2016 1 comentário

Eu fotografo com o único objetivo de apreender a tensão que existe entre os objetos e eu, me servindo do aparelho – a máquina ótica – como um mediador. – Koji Enokura

Terminemos o ano falando da revista japonesa Provoke, que teve apenas 3 números publicados, entre os anos de 1968 e 1969, mas que hoje é tida como uma ação importante na história da fotografia. Híbrido de revista, movimento, pensamento, provocação e atitude, Provoke era um coletivo de fotógrafos, poetas e teóricos que surgiram nos tumultos dos anos 60 para pensar a fotografia. Mais do que isso, contestar a fotografia, e seu poder de representação.

ARTE É IDEOLOGIA. ARTE É POLÍTICA.

Não é novidade para ninguém que os anos 60 e 70 foram de grandes mudanças no Japão: culturais, sociais e políticas. Depois de derrotado e devastado durante a Segunda Guerra Mundial, o país sofreu uma rápida transformação estrutural (se aliando aos EUA) resultando em uma nação industrializada, ligada aos melhores avanços tecnológicos e extremamente rica. Com isso, os antigos valores foram vencidos pela ode ao consumismo e grande parte da população esqueceu suas tradições. Isso acarretou uma onda de protestos entre agricultores, trabalhadores e estudantes. No meio dessa efervescência, surgem as imagens em preto e branco, de alto contraste, granuladas e muitas vezes fora de foco do Provoke. Não como um estilo em si mas como uma linguagem que procurava, indagava e protestava.

Os membros da Provoke, como Yutaka Takanashi, Daido Moriyama, Koji Taki, Takuma Nakahira, queriam uma captura genuína do mundo, do que está aí, e não uma confirmação de uma visão desse mundo. São fotografias fragmentadas, explosivas, subjetivas de uma experiência de mundo, sem querer transcrever e apreender a complexidade da realidade.

Devemos nos tornar “videntes” para atingir alguma coisa que se situa antes da forma. – Koji Taki

Essa linguagem fluída e confusa, que privilegia o absurdo e o caos, nos obriga a desorganizar o olhar. E o pensamento. E essa é o único olhar possível nessa sociedade de repetição, de consumo fetichista, de instrumentalização da arte e de imagens mediáticas, estéticas e auto explicativas. Qual o papel do fotógrafo? E da fotografia? E do cidadão? E aqui não sei se falo do Japão dos anos 60 ou do Brasil e do mundo do novo ano de 2017.

Sem ter respostas prontas, a Provoke provocou perguntas, protestos, quebras e resistência.

No processo de resgate dessa história, um livro e uma exposição foram montadas em cima do movimento Provoke. A exposição estára no Art Institute of Chicago, de 28 de janeiro a 7 de maio de 2017.

Exposição, História da fotografia

A icônica exposição “Family of Man”

12/15/2016 1 comentário

“Family of Man” foi uma exposição marcante apresentada no MOMA em 1955. Com curadoria de Edward Steichen, grande nome da história da fotografia e já citado aqui no nosso blog , essa exposição rodou mais de 37 países, 150 museus, por anos a fio, atraindo mais de 10 milhões de visitantes. Ainda hoje ela pode ser vista, imitando a montagem original, no Castelo de Clervaux, Luxemburgo, país natal de Steichen.

Mas o que essa exposição tem de tão impressionante?

A exposição focou nos traços comuns entre os homens: o que aproxima as diversas culturas e povos ao redor do mundo, em oposição ao afastamento e às diferenças atiçadas durante a Segunda Guerra Mundial. Essencialmente, a ideia era mostrar o que nos torna uma humanidade. No contexto do fim da guerra, e durante a guerra fria, as imagens formavam uma tentativa de suscitar uma ligação entre os homens, dilacerados pela agressiva luta global e ainda lidando com a ameaça constante das bombas atômicas. Através de imagens de gente como a gente, em todos os cantos do mundo, a exposição queria promover a paz.

Só existe um homem no mundo e seu nome é Todo Homem

Só existe uma mulher no mundo e seu nome é Toda Mulher

Só existe uma criança no mundo e o nome dessa criança é Toda criança.

– Carl Sandburg

A cenografia da exposição também foi inovadora para época, pensada por Paul Rudolph, instigava o visitante a ver as fotografias de maneira humanista. Divididas em temas iguais a todos – amor, nascimento, carreira, habitação, morte – as imagens contavam uma história única e comum a todos. Além disso, foram montadas de maneira a sair das paredes e entrar ativamente no percurso do público, com impressões grandes e variadas em tamanho formavam murais ao longo das paredes, sendo exibidas inclusive no teto.

A grandeza de “Family of Man” continua nos numerosos e famosos fotógrafos que participaram. A mostra conseguiu reunir 503 fotografias de 273 fotógrafos de 58 países, como Dorothea Lange, Ansel Adams, Diane Arbus, Richard Avedon, Hiroshi Hamaya, Robert Doisneau, Nora Dumas, Brassai, Manuel Álvarez Bravo… Foram muitos olhares dialogando sobre diferentes situações e emoções cotidianas de todos os continentes. Apesar de em sua maioria serem dos EUA e Europa, os fotógrafos narram histórias da América, Oceania, África, Ásia e Europa.

A fotografia comunica igualmente para todos ao redor do mundo. É a única linguagem universal que nós temos, a única que não precisa de tradução. – Edward Steichen

Muitos críticos acharam a idéia de “Family of Man” bem intencionada mas ingênua: imagens pouco profundas que não acrescentaram ou mudaram realmente a humanidade. Imagens simplistas que não explicam o mundo complexo e contraditório em que vivemos. Verdade. Mas de alguma maneira foi uma tentativa de através da fotografia pensar novos caminhos e novas representações que nos englobem a todos.

Dicas, Fotografia E, História da fotografia

Tudo junto e misturado

11/02/2016 Nenhum comentário

Hoje em dia vamos em uma exposição e muitas vezes não sabemos para o que olhamos, seria uma fotografia, uma performance, uma documentação? Tentamos inserir o trabalho artístico em alguma casinha mas muitas vezes é simplesmente impossível.

Em torno de 1960, as “verdades” fotográficas foram duramente postas em questão. As vanguardas artísticas históricas quebraram com o formalismo e o purismo da fotografia moderna e a inseriram na contemporaneidade. O vernaculismo da fotografia dá lugar a uma maior experimentação, uma linguagem menos direta e menos rebuscada. Esses questionamentos acontecem menos através dos fotógrafos e mais por artistas do campo das belas artes. Andy Warhol e Yves Klein, entre vários outros, fundem a fotografia com outras mídias e descobrem novas percepções além da testemunhal. Com isso a fotografia entra no mundo da arte contemporânea onde não existe uma hierarquia pré estabelecida dos papeis de cada mídia, e onde todas as artes se misturam em diversas narrativas.

screen-shot-2016-10-09-at-5-39-21-pm — Andy Warhol, 6 fotografias costuradas, sem título, 1976

Aos poucos os fotógrafos vão misturar as mídias e os diferentes conceitos estéticos e artísticos em seus trabalhos. Vai ficando cada vez mais perceptível uma hibridez entre vídeo, foto, instalação, digital, performance, escultura, pintura, etc. Com isso, surge uma série de questões que nos faz pensar sobre os limites que o próprio mercado impõe às artes. Como catalogar obra e artista, para qual departamento do museu a obra deve ser adquirida, em qual nicho de mercado vender o trabalho, qual nomenclatura dar ao artista…? Será que no fim das contas importa. Para a arte com certeza não, mas para o mercado e suas instituições é outra história. E como um não anda sem o outro…

http://https://vimeo.com/62121723

Fotografia E, Fotógrafos pelo mundo, História da fotografia

Era uma vez…

10/19/2016 Nenhum comentário

…numa terra muito distante, uma mídia artística, chamada fotografia, que não era considerada arte. Na verdade não faz tanto tempo assim, e a fotografia demorou bastante para se legitimar como arte. Foi um longo caminho que a fotografia teve que trilhar para que colecionadores, instituições, galerias, público, enfim, o mercado de arte em geral, acreditasse na sua seriedade.

A fotografia é uma arte fria e mecânica, sem alma, incapaz de suscitar emoção. – Baudelaire

Fotografia e pintura sempre estiveram muito ligadas. Desde sua invenção, a fotografia sempre se relacionou com a pintura, as vezes se complementando, az vezes se distanciando mas sempre se comparando. A fotografia e seus preceitos serviam de estudo para a pintura, por exemplo, com isso ela era tida como uma arte coadjuvante. À pintura se dava o papel principal de criação, à fotografia um papel secundário de retratar a realidade e documentar o mundo, ajudando na criação das lindas e grandes telas. Essa visão negativa acompanhou a fotografia desde seu início e perdurou durante muito tempo.

440px-thepondmoonlight — Steichen, Luz da lua no lago, 1904

Rivalizando com a pintura, e buscando seu lugar no mundo da arte, surgiu o movimento pictorialista na fotografia, em torno de 1885. Ainda tateando uma linguagem fotográfica e uma identidade própria, o movimento é o primeiro a apresentar a fotografia através de uma visão artística, mesmo que sendo uma concepção clássica e romântica. A fotografia pictorialista buscava um afastamento com o realismo da mídia fotográfica e de suas imagens técnicas e uma aproximação com o que na época era considerado arte: a pintura. O lado positivo do pictorialismo foi dar à fotografia o estatuto de obra de arte, mesmo que essa notoriedade tenha sido buscada através de uma aproximação da fotografia com as características da pintura à óleo e outras técnicas da linguagem pictórica. Esse movimento se estendeu mundialmente e temos grandes fotógrafos dessa época: Heinrich Kühn, Eugene Lemaire, Julia Maragreth Cameron e Edward Steichen (que por si só é assunto para outro post).

carl-christian-heinrich-kc3bchn-still-life — Heinrich Kühn, 1866-1944, Natureza Morta

Um movimento contrário surge no inicio do século 20, aos poucos, como resposta ao pictorialismo: a fotografia naturalista ou direta (straight photography). É um movimento que procura encontrar uma linguagem fotográfica mais dentro das possibilidades e dos recursos do meio, a partir do que a fotografia tem a oferecer: foco, luz e sombra, olhar, composição, nitidez, geometria…

Esse movimento da fotografia direta vai ganhando mais terreno porque ele procura dialogar mais com uma linguagem verdadeiramente fotográfica. Um grande exemplo dessa fotografia direta é o movimento f/64 que surgiu nos anos 30 nos EUA como uma vontade de pesquisar e desenvolver uma linguagem precisa com recursos da própria fotografia. Uma fotografia direta e pessoal. O nome f/64 vem da pequena abertura focal nas câmeras de grande formato que possibilitava foco em grandes distâncias focais.

Working Title/Artist: Edward Weston (American, 1886-1958) : [Nude], 1925, Gelatin silver print Department: Photographs Culture/Period/Location: HB/TOA Date Code: Working Date: mma digital photo PH9153 — Edward Weston, Nude, 1925

Em busca de legitimação, a fotografia passa por um longo e árduo caminho e por uma linhagem de fotógrafos que batalhou para criar uma estética específica do meio: Steichen, Stiegliz, Ansel Adams, Edward Weston, Paul Strand, entre tantos outros. Eles lidavam esteticamente com questões como a subjetividade do fotógrafo, formalidade, excelência técnica no ato de tirar a foto, no processo de impressão e na permanência da imagem. Tudo isso para distinguir a fotografia artística da fotografia popular (que apenas retratava o real). É uma fotografia canônica moderna, que foi importante para a história da fotografia como estratégia de legitimação e independência.